Ciclo El sexo en el cine + El Post-Porno

THE GOOD OLD NUGHTY DAY´S (Dir.: Michel Reilhac)

03 de julio - 19.00 hs.

Reseña: 

De la mano del investigador Michel Reilhac nos llega una de las antologías más increíbles de la historia, merecedora de la mención especial de Cannes 2002 por “su fantástico valor documental”. Es la colección privada de una familia burguesa, donada al Ministerio de Cultura Francés, y unos 300 cortos inéditos de la prestigiosa colección Lobster, Filmadas por anónimos empresarios y estelarizadas por prostitutas, técnicos, amiguetes y actores de poca monta, estas películas se exhibían en funciones privadas y en los burdeles del París vanguardista, principios del siglo XX.

Ciertamente hay dos formas de aproximarse a estos clásicos producidos por menos de tres francos en la máxima clandestinidad: como películas pornográficas, y en este sentido ofrecen casi todo lo que hoy en día puede verse en films de adultos [obviemos las incapacidades técnicas de ciertas posiciones de cámara que pueden ser algo engorrosas cuando hablamos de una Lumière o Pathé...]; o desde una perspectiva socio-histórica, lo que nos brindaría una posibilidad única para estudiar la evolución de la sexualidad en Europa, sus fantasías, tópicos y la forma que tenemos de documentarlos ¡desde la invención misma del cinematógrafo! 

Hardcore a más no poder, utilizando casi todos los imaginarios conocidos hasta la fecha, con abundancia de cumshots que marcan el final de la escena [y demuestran que desde entonces estaban destinados al público masculino], argumentos ingeniosos que no guardan reparo en mofarse de la Iglesia o la gente mayor, y escenarios que varían desde habitaciones privadas hasta los jardines de un set de filmación, estos cortometrajes gozaban de una espontaneidad que ahora los convierte en objeto de culto entre críticos, curadores e investigadores.

Un detalle curioso a destacar es la facilidad con la que los actores masculinos transitan de lo homosexual a lo hetero, cosa que hoy en día se reserva a pelis destinadas al público bisexual u homo. 

Sobre el director:

Michel Reilhac: Actualmente es Director Ejecutivo de Arte France Cinéma y el Director de Adquisiciones de Cine de ARTE France.
Anteriormente fue Director Ejecutivo de el Forum des Images en París, Director General del Centro Americano en París y del Teatro Nacional de Chaillot de París, Director Ejecutivo del Centro Nacional de Danza Contemporánea de Angers, Francia.
Él era también un productor y curador del autor a través de su propia organización, "Las Artes 

Asombrosas" (Amazing Artes) de los eventos de participación, como:

- "Las Artes Etonnants 92", una exposición interactiva de tiempo basado en obras de Heather Ackroyd y Dan Harvey, Andreas Heinecke (Diálogo en la Oscuridad), Stephen Taylor Woodrow

- Dark/Noir on Darkness se basa en un medio (Festival de Avignon 93, París 94)

- Le Bal Moderne (la pelota moderna) en 1993, 1994 y 1995 en París (Chaillot) y en una gira.

 Le Goût du Noir (A taste of darkness), cenas en la oscuridad llena de gente ciega en1999 en París.

Dirigió su primera película documental  All alike? en 1998. La película se proyectó en varios festivales y en Canal + TV. Es autor de una película de Canal +, To be a Man, emitido en abril de 1999 y de un documental, Kenya Islands, por Arte que se emitió en el año 2000.

Él comenzó su propia compañía productora, MIX en 2000, produjo varios documentales para la televisión francesa. Produjo también la primera película, primer corto de Licia Eminenti, Intimisto, fue la película de apertura en la competición oficial en la Bienal de Venecia en 2001. También produjo un programa de entrevistas semanal en completa oscuridad, filmó con cámaras infra rojo para la televisión francesa, llamado Guess Who’s Coming for Dinner?.

Michel también ha producido tres películas internacionales: Cry Woman por el director chino Liu Jian Bing (Un Certain Regard de Cannes) y The Good Old Naughty Day´s (Quincena de Realizadores de Cannes), que también dirigió 7 días, 7 noches, por primera vez cubanos director / escritor Joel Cano.
De 1998 a 2000, Michel fue el presidente del Fonds Sud, en París, Francia - un fondo especial creado por el CNC (Centro Nacional de Cine) para apoyar el cine en todos los países que no tienen un verdadero apoyo para los cineastas locales propios (en América del Sur, Asia y África).

EL IMPERIO DE LOS SENTIDOS (Dir.: Nagisa Oshima)

10 de julio - 19.00 hs.

Reseña:

Película franco-japonesa de 1976 dirigida por Nagisa Oshima que narra, de manera sexualmente explícita, un hecho ocurrido en la realidad en Japón, en la década de 1930. Fue una película que generó una gran controversia en su estreno. Aunque la intención del director fue darle una distribución comercial muy amplia, las escenas de sexo explícito entre los actores principales (Tatsuya Fuji y Eiko Matsuda) generaron una censura que, al menos en Japón, sigue vigente en la actualidad (la película sí se exhibe, pero con escenas cortadas).

La historia transcurre en 1936 en Tokio, cuenta la historia de Sada Abe (Matsuda), ex prostituta que ahora trabaja como parte de la servidumbre de un hotel. Conoce allí al propietario del hotel, Kichizo Ishida, casado con la ama, y muy activo sexualmente, y ambos se hacen amantes de una manera tan intensa que buscan experimentar tanto en lo sexual como en el consumo de bebidas alcohólicas y en muchas otras autocomplacencias. 

Sobre el dierctor:

Nagisa Oshima: Luego de graduarse en derecho en la Universidad de Kioto fue contratado por el estudio Shochiku donde pasó rápidamente a dirigir sus propias películas, haciendo su debut con A Town of Love and Hope ( Ai to kibo no machi) en 1959.
La primera película que lo llevó a la mirilla pública fue The Catch (1961), basada en una novela de Kenzaburo Oe sobre la relación durante la Segunda guerra mundial, entre los habitantes de un pueblo japonés y un soldado afroamericano capturado.

Uno de los filmes más inusuales de Oshima fue Band of Ninja (1967), una adaptación del popular manga de Sampei Shirato, Ninja Bugei-cho, una saga del siglo XVI sobre los campesinos oprimidos y un ninja mortal. No es una película con actores o animada; Oshima simplemente tomó fotografías de los dibujos de Shirato y les agregó voz. Sin embargo, la crítica la alabó y fue un éxito comercial en Japón.

Otras películas de este director son: Death by Hanging (1968); Boy (1969); The Ceremony (1971)
Ōshima alcanzó su punto máximo como director, con su película en 1976: El imperio de los sentidos (Ai no korida), una película basada en una historia real sobre un caso de obsesión sexual fatal, en el Japón de los años 1930. Ōshima, un crítico de la censura y del humanismo de su contemporáneo Akira Kurosawa, estaba determinado a que la película incluyera escenas pornográficas fuertes, por lo que la película tuvo que ser terminada en Francia, para así poder crear un versión sin censura, que aún se encuentra inasequible en Japón.
En su otra versión del filme In the Realm of the Senses, El imperio de la pasión (Ai no borei), lanzada en 1978, hizo un acercamiento más refrenado al representar la pasión sexual de los dos amantes que los condujo al asesinato, llevándolo a ganar el galardón del Festival Internacional de Cine de Cannes en 1978 como mejor director.

En 1983 tuvo otro éxito crítico importante con Feliz Navidad, Mr. Lawrence, desarrollada en un campamento de prisioneros japonés durante la Segunda Guerra Mundial, mostrando a Ryuichi Sakamoto y David Bowie como ejemplos de las virtudes militares de Oriente y Occidente.
Max, Mon Amour (1986), fue escrita con el colaborador frecuente de Luis Buñuel, Jean-Claude Carriére.

En 1996 Ōshima sufrió un accidente cerebrovascular, pero retornó a la dirección en 1999 con Taboo (Gohatto), donde incluyó al actor de Feliz Navidad, Mr. Lawrence, Takeshi Kitano y la música del compositor Ryuichi Sakamoto.

INSIDE DEEP THROAT (Dir.: Fenton Bailey, Randy Barbato) - Documental 

17 de julio - 19.00 hs.

Reseña:

Considerada generalmente la película más rentable de todos los tiempos, el film para adultos de 1972 Garganta Profunda fue más que una excitante curiosidad y un gran éxito de taquilla. Estrenada en el mismo momento en que los movimientos nacionales para la liberación sexual, la igualdad de derechos y los valores contraculturales estaban alcanzando su punto álgido, esta película sexualmente explícita se convirtió inesperadamente en el epicentro de una tormenta social y política sin precedentes, un gran fenómeno cultural cuyo impacto continúa afectándonos hoy. Ahora, más de 30 años después de que Garganta Profunda entrase violentamente por primera vez en la conciencia colectiva, Inside Deep Throat (Dentro de Garganta Profunda), lleva a los espectadores a la trastienda de una película que fue hecha por casi nada y dejó un legado que sus autores jamás habrían imaginado.

Por el documental desfilan personajes entrevistados como la protagonista de 'Garganta profunda', Linda Lovelace, escritores como Gore Vidal o Norman Mailer, Erica Jong, John Waters, o directores como Wes Craven o Francis Ford Coppola, espectadores en su momento de la controvertida película.

El documental recoge también la censura que sufrió el filme, que llegó a ser prohibido en 23 estados de EEUU, y la persecución a sus protagonistas, especialmente al actor Harry Reems, acusado de conspiración por transportar obscenidades a través de las fronteras estatales.

Sobre el director:

Fenton Bailey y Randy Barbato:

Con películas tan aclamadas como "The Eyes of Tammy Faye" y "Monica in Black and White", Fenton Bailey y Randy Barbato se han labrado una reputación por lanzar una mirada imperturbable a la vida moderna, haciendo documentales que iluminan la naturaleza y el significado de la cultura popular, con vitales y entretenidas perspectivas de acontecimientos de nuestro tiempo.Suyas son también el excelente documental  "Inside deep thorat" y la irreverente ficción "Party Monster."

DESTRICTED

(Directores: Marina Abramovic; Matthew Barney; Marco Brambilla; Larry Clark; Gaspar Noé; Richard Prince; Sam Taylor-Wood )

24 de julio - 19.00 hs.

Reparto: Shirin Barthel, Richard Blondel, Jasmine Byrne, Manuel Ferrara, Katsumi, Dillan Lauren, Vicente Pinho Neto, Chris Raines, Kora Reed, Sativa Rose, John Saint John, Angela Stone, Nancy Vee

Reseña:

Destricted es una película de género erótico producida por Offhollywood Pictures en 2006. La película consta de 7 cortometrajes con contenido erótico y pornográfico. En todos ellos se plasma la visión del director sobre el sexo y como este se fusiona con el arte.
Los directores que participaron en la realización de la película son:

Marina Abramovic: Balkan Erotic Epic
 En este segmento se hace cuenta de la cultura sexual en los Balcanes, donde se creía desde tiempos ancentrasles que los orgasmos sexuales se usaban como herramientas contra enfermedades y elementos dañinos en la naturaleza.

Matthew Barney: Hoise

Marco Brambilla: Sync 

Se utiliza una batería de imágenes que se suceden a una velocidad muy rapida mientras suena un solo de batería.

Larry Clark: Impaled

Gaspar Noé: We Fuck Alone

Richard Prince: House Call   

Sam Taylor-Wood: Death Valley 

FAKE ORGASM (Dir.: Jo Sol) -

Documental

31 de julio - 19.00 hs.

Reseña:

Documental creativo sobre los nuevos paradigmas de género e identidad. Lazlo Pearlman es un artista conceptual, un prestigiador de los clichés, un activista capaz de dinamitar nuestros prejuicios y dogmas sobre sexo e identidad. Lo que en apariencia es una divertida reflexión sobre las mentiras en nuestra vida sexual, se convierte de pronto en un punzante discurso sobre la teoría de género y la permanente construcción de nuestra identidad. “Fake orgasm” golpea la mente y obliga a un cambio de perspectiva para replantearse algunos conceptos con los que nos han educado y hemos crecido.

Sobre el director:

Jo Sol: Jo Sol es uno de los directores más inclasificables del panorama contemporaneo, con una cinematografía entre el documental y la ficción, y realizada con una absoluta libertad de lenguaje. En 2000 debuta con su primer largometraje, Tatawo, presentado en festivales de todo el mundo y distribuido a nivel internacional. Cinco años más tarde sorprende a crítica y público con el falso documental El taxista ful, que le valió el Premio Especial del Jurado en el Festival de San Sebastián y Premio a la Mejor Película en el Festival de Cine de Nantes.

En 2008 inicia un viaje de investigación por los cinco continentes con el objetivo de entrevistar a personas de diferentes culturas sobre un tema en común: la sexualidad y la identidad. A través de más de 60 horas de rodaje, fotografías y entrevistas con varias personalidades y expertos en la materia, trabaja en la creación de un ambicioso proyecto multidisciplinar que tiene previsto finalizar en 2012. La primera parte de este proceso creativo se materializa con la película documental Fake orgasm, protagonizada por el ilusionista del género Lazlo Pearlman.

Ciclo Flowers Power

Performance, dir.: Nicolas Jack Roeg y Donald Cammell
10 de abril 20.00 hs.

Reparto: James Fox, Mick Jagger, Anita Pallenberg, Michele Breton, Johnny Shannon y Anthony Valentine.

Reseña: "Chas" (James Fox) es un "performer", un pandillero súper-violento de una banda del este de Londres. Cuando se ve envuelto en un problema considerable por parte de su jefe Harry Flowers (interpretado por Johnny Shannon), deja ese trabajo. Su jefe no queda contento, por lo que le persigue y le tortura. Envuelto en esta situación, "Chas" huye. Encuentra su escondrijo ideal en la casa de un excéntrico y especial rockero llamado Turner (Mick Jagger), que vive con sus dos amigas Pherber (Anita Pallenberg) y Lucy (Michele Breton). "Chas" y Turner inicialmente no se caen bien, pero se dan cuenta de que la vida de estrella de rock y la de gangster no son tan distintas.

  

Sobre los directores:

Nicolas Jack Roeg (Londres, 15 de agosto de 1928) es un director de cine de culto y fotógrafo de cine de origen inglés.

Muy polémico a veces por sus extrañas cintas de suspense, dirigidas de una forma muy personal; son a destacar su obra maestra Amenaza en la sombra, con Donald Sutherland y Julie Christie, que le encumbró definitivamente como un director extravagante. El film fue elegido por la prestigiosa revista de cine Empire entre las 500 mejores películas de la historia, en una lista donde también aparece su ópera prima "Performance" con Mick Jagger, un film pionero que fue fuente de inspiración para directores como Quentin Tarantino o Guy Ritchie. Otros films suyos son "El hombre que vino de las estrellas", con David Bowie, "La maldición de las brujas" con Anjelica Huston, "Walkabout" o "Contratiempo".

En su carrera como fotógrafo de cine adquirió un gran prestigio, con films como "Farenheit 451" de Françios Truffaut, "Doctor Zhivago" de David Lean o "La máscara de la muerte roja" de Roger Corman. Roeg ha sido una gran influencia para directores de cine como David Lynch, quien hereda parte de su estética y de su característico surrealismo. También influye al escritor de novelas gráficas Alan Moore, en trabajos como Watchmen, una de las mejores obras del escritor.

Donald Cammell nació en una familia escocesa aristocrática pero bohemia. Desde muy joven, se sintió influenciado por el escritor ocultista Aleister Crowley. El novelista era un iniciado en temas esotéricos y no ocultaba su devoción hacia la magia negra y lo maligno: "simplemente fui cerca de Satanas, y todavia no sé porqué. Pero me encontré apasionado de servir a mi nuevo maestro... no estaba contento en creer en mi diablo personal y servirlo, en el sentido ordinario del mundo. Lo quería conocer personalmente y convertirme en el principal miembro de su staff". Donald Cammell se encontró cómodo en las teorias del escritor ocultista. Cammel siempre se había sentido como un incomprendido y bastante decepcionado con todo lo que le rodeaba. Él no compartía las ideas de los demás, siempre se encontraba avido de saber nuevas idelogías, nuevas formas y mundos.

En 1957, conoce al actor Marlon Brando en Paris. Brando se encontraba grabando el film "The young lions". Cammel comenzaba a ser conocido como un apuesto pintor que prometía por sus obras vanguardistas. Brando y Cammel se sintieron atraidos por una mutua fascinación por la experimentación sexual y el cine vanguardista europeo. Según conocidos de la estrecha amistad que hubo entre ellos, afirmaban la similitud de caracteres de los dos. "Brando podía ser cálido y ser frío y ser cruel. Los dos tenían una extraña relación. Es por eso que se sentían atraídos hacia el otro"- afirma el historiador cinematográfico David Thomson. Aunque es arriesgado afirmarlo, Thomson declaró que existió una relación homosexual entre los dos artistas. Tal es la proximidad y comprensión que Cammell sentía en Brando que le propuso protagonizar su pelicula "Perfomance" (1970). Marlon rechazó el papel y Donald escogió al cantante Mick Jagger como protagonista de la cinta. En ella, un mafioso busca refugio en la casa de una estrella de rock andrógina (Mick Jagger). El mafioso tirotea al personaje de Jagger en el que, durante un momento surrealista, se revela la imagen de Jorge Luis Borges (conocido escritor argentino). Con Perfomance, la más cuidada y controvertida obra de Donald Cammel, se inicia la leyenda de uno de los rodajes de Hollywood más malditos.

El rodaje de "Performance" fue bastante ruidoso, se cuenta que gran parte de él era acompañado de orgías entre los miembros del equipo y grandes dosis de sexo.

El actor James Fox, popular por sus interpretaciones en la decada de los sesenta, fue tal el impacto en su vida de lo que sucedió e hizo en aquel rodaje que, muy asustado y culpable, se afilió a un grupo religioso nada más terminar la pelicula. James suspendió su carrera y se empleó a fondo como nuevo cristiano evangélico.

"Performance" se convirtió en el escandalo de la época y, a su vez, en una pieza de culto. La pelicula fue un importante referente para nuevos proyectos experimentales como "Velvet Underground" o "La Naranja mecánica". El film era oscuro, violento, sexual y nada correcto. Tan sexuales eran algunas escenas que con parte de metraje cortado se hizo un corto que ganó un festival porno en Amsterdam. Cammell, como pez en el agua, quiso hacer un cine diferente e intentó plasmas nuevas técnicas. La pelicula no tiene música, sino a base de experimentar con ruidos. Los planos y encandenados eran insólitos y transgresiones como un fundido a negro tan largo que los espectadores tenían la impresión de que la pelicula ya había terminado.

Aquel rodaje cargado de lujuria y sexo no dejó indiferentes las vidas de las dos actrices principales, Anita Pallenberg y la adolescente francesa Michelle Breton. Pallenger se enganchó al caballo y Michelle terminó en un psiquiatrico. Jagger en aquel momento iba de satánido y se dice que la magia negra estuvo presente también en la grabación, encontrando en su director a un buen compañero de ritos ocultistas. De hecho, durante el rodaje fue cuando se compuso el clásico del rock "Simpathy for the devil".

A ello, le siguieron duros días para Cammel de depresión y desidia. Pese a su lucha por encontrar algo que le motivase y tras dar tanto de qué hablar, el director terminó sus días con la sensación de no haber encontrado esa chispa que sentía que le había faltado durante toda su vida. Con tendencia a la autodestrucción estilizada, se pegó un tiro frente a un espejo de su habitación, ante la presencia de su mujer. Tardó 45 minutos en morir desangrado. Aquel excentrico director murió emulando lo que hacía Mick Jagger en la última escena de Perfomance. Donald le pidió a su mujer un espejo para poder ver cómo moria, casi como alegre de estar representando su mejor pieza de arte. 

  

Psych Out, dir.: Richard Rush
17 de abril, 20.00 hs.

Reparto: Susan Strasberg, Dean Stockwell, Jack Nicholson, Bruce Dern, Adam Roarke, Max Julien, Henry Jaglom, Linda Gaye Scott, I.J. Jefferson, Tommy Flanders, Ken Scott 


Reseña: 

En 1968 salió a la luz, de la mano de Richard Rush,Psych-out, película sobre las aventuras de un grupo de hippies en la calle Haight-Ashbury que presenta como actor principal a un joven Jack Nicholson que no llega a los 30 años haciendo el papel de Stoney, el líder y guitarrista de una banda de rock psicodélico (Mumblin’ Jim), a Susan Strasberg, ya conocida por su papel de “fémina indefensa” en varias películas contraculturales de los 60s, en el papel de Jenny Davis, una muchacha pueblerina que llega a San Francisco con la intención de encontrar a su hermano Steve (Bruce Dern), un manifestante hippie obsesionado con la búsqueda de la paz a través de cristo, y para crear aun mas problemas, la joven es sorda; complementan el reparto Adam Roarke como Ben y Max Juliencomo Elwood, amigos y compañeros de banda de Stoney. Cabe resaltar la excelente actuación de Dean Stockwell como Dave, un antisocial que vive aislado de todos porque considera que los demás viven de mentiras y el no, además del esmerado trabajo de Nicholson quien escribió gran parte del guión pero Rush no lo acepto argumentando de que era algo ambiguo y complicado, al final solo accedió a que se trabajen los personajes de Stoney y Dave como amigos y luego antagonistas.

Sobre el director:

Richard Rush nació el 1930, en Nueva York (Estados Unidos).Estudia en la Universidad de UCLA; realiza diversos films publicitarios e industriales antes de acceder a la dirección de largometrajes.Nominado al Oscar al Mejor Director por Profesión: el especialista (1980); Nominado al Oscar al Mejor Guión Adaptado por Profesión: El especialista (1980), junto con Lawrence Marcus.Probablemente Richard Rush es uno de los más desconocidos directores surgidos de la American International, donde trabajara el productor-director Roger Corman. Junto a Monte Hellman, Peter Bogdanovich o Jonathan Demme, el neoyorquino Richard Rush se dedicó a la realización de productos de bajo presupuesto que recrean historias sobre el inconformismo y la rebeldía estudiantil, enfrentados a la presencia de los Estados Unidos en Vietnam (Getting Straight), comedias policíacas (Una extraña pareja de polis) y apuestas radicales (Hells Angels on Wheels, continuación de un título de culto de la American International, Ángeles del infierno, de Roger Corman, y Pasaporte a la locura, ambas protagonizadas por un hasta entonces desconocido Jack Nicholson). Mientras buena parte de sus colegas hicieron debuts prometedores, consolidándose dentro delcine comercial a mediado los años setenta, Rush demoró en exceso la confección de una obra de una cierta madurez. Largamente aplazada la adaptación cinematográfica de la novela de Paul Brodeur, Profesión: el especialista se rodó en 1978 pero no pudo estrenarse hasta tres años más tarde. Las tres nominaciones que obtuvo el film ayudó a su carrera comercial, así como la presencia de Peter O´Toole en el papel de un director que contrata a un prófugo de la justícia para que realice las labores de stuntman ("doble de actores", "especialista") en su película. La doble nominación al Oscar de Rush no pareció compensar la larga espera que supuso el estreno de su undécimo film. Después del sorprendente éxito de Platoon a mediado los ochenta, Richard Rush vio en una novela de Christopher Robbins la posibilidad de tratar la Guerra del Vietnam desde la vertiente cómica, siendo la primera vez que se tomaba este punto de vista, aunque la postergación del proyecto de Air America le brindaría tal honor a Good Morning, Vietnam (1987). Después de barajar nombres como Kevin Costner y Sean Connery para protagonizar Air America, finalmente el ex montador Roger Spottiswoode relevó a Rush y al también previsto Bob Rafelson detrás de las cámaras, conservando pocos elementos del tratamiento original y con un nuevo elenco formado por Mel Gibson y Robert Downey Jr. Rush conservó su nombre en los créditos como coguionista, pero el sentimiento de frustración que había vivido en los últimos años le alejó temporalmente de la dirección. Un extraño thriller erótico, El color de la noche, supuso el retorno de Richard Rush, en un período que, tras Instinto básico (1992),se han sucedido una serie de títulos que abordan la intriga con fuertes dosis de sexualidad. El oportunismo, nuevamente, se dio cita en el cine de Rush.

The Trip, dir.: Roger Corman

24 de abril, 20.00 hs.

Reparto: Peter Fonda, Susan Strasberg, Bruce Dern, Dennis Hopper, Salli Sachse, Barboura Morris.

Reseña: 

Paul Groves (Peter Fonda), un realizador de anuncios para televisión, está pasando por una profunda crisispersonal. Su mujer Sally (Susan Strasberg) le ha dejado, así que Paul busca la ayuda en un amigo, John (Bruce Dern), que le incita a consumir una droga alucinógena, el LSD. Buscando evadirse y llevado por la curiosidad, Paul decide probarla para hacer un "viaje" a las ocultas dimensiones de su subconsciente. ... Escrita por un joven Jack Nicholson, "The Trip" fue la primera película de los años sesenta que trató el tema del consumo de una populardroga de la época: el LSD. 

Sobre el director:

Roger Corman: Su carrera empezó con algunos westerns como Cinco pistolas o sus inicios en el terror con Las mujeres del Pantano, ambas de (1955). También creó películas de ciencia-ficción El día del fin del mundo. Entre sus filmes más conocidos destaca su serie de películas basadas en historias de Edgar Allan Poe producidas por la American International Pictures (A.I.P.), incluyendo La caída de la casa Usher (1960), El péndulo de la muerte (1961), El cuervo (1963) y La mascara de la muerte roja (1964). En la mayoría de estas películas Vincent Price era el actor protagonista y algunos papeles secundarios fueron interpretados por actores jóvenes y desconocidos entonces como Jack Nicholson (hijo de uno de los creadores de la A.I.P., James H. Nicholson) o en horas de baja popularidad como Boris Karloff. Se calcula que produjo más de 300 películas, dirigiendo cerca de 50 de ellas.

Una de sus películas, Not of this earth (1957), también conocida como Emisario De Otro Mundo, reúne vampirismo e invasión alienígena. Treinta años después, Corman produjo a su fan Jim Wynorski una nueva versión de la misma, protagonizada por la ex-estrella del cine pornográfico Traci Lords.

Su trabajo como productor con su empresa New Horizon Films lo llevó a visitar algunos países de América Latina, como México y Argentina. En este último coprodujo diez películas en la década del ochenta, entre ellas Barbarian Queen (1985).

Entre los directores ahora famosos que trabajaron al inicio de sus carreras con Corman se cuentan Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Ron Howard, Peter Bogdanovich, Jonathan Demme, James Cameron y John Sayles. Muchos reconocen que Corman les influenció profundamente en su manera de hacer cine. Actores importantes que comenzaron su carrera en el cine con Corman son Jack Nicholson, Peter Fonda, Bruce Dern, Michael McDonald, Dennis Hopper y Robert De Niro.

Su autobiografía, publicada en 1990, se titula How I Made a Hundred Movies in Hollywood and Never Lost a Dime (Como realicé un centenar de películas y nunca perdí un centavo), y documenta su experiencia en la industria cinematográfica.

En 2009, la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood le concedió un Óscar honorífico en reconocimiento a toda su carrera.

En 2011 se pretende estrenar un documental sobre su vida, llamado Corman's World. Dicho documental estará dirigido por Alex Stapleton y en él aparecerán estrellas como Jack Nicholson, Robert De Niro, Martin Scorsese o Peter Fonda.

Zabriskie Point, dir.: Michelangelo Antonioni

01 de mayo, 20.00 hs.

Reparto: Mark Frechette, Daria Halprin, Rod Taylor.

Reseña: 

Tras un enfrentamiento entre estudiantes y policías, un joven de familia acomodada, Mark, cree haber matado a un agente y huye, en compañía de otro joven, tras robar una avioneta, al desierto de Arizona. Allí se encuentra de un modo fortuito con Daria, una muchacha que trabaja para un abogado, director de un importante proyecto inmobiliario, y que cruza el desierto en automóvil para asistir a una reunión de negocios.  

Sobre el director:

Michelangelo Antonioni Se graduó en economía por la Universidad de Bolonia, llegó a Roma en 1942 donde cursó estudios en el Centro Sperimentale di Cinematografia de Cinecittà. Allí conoció a algunos de los artistas con los que cooperó en los años siguientes; entre ellos Roberto Rossellini, "padre" de la escuela del Neorrealismo italiano.

En contraste con su contemporáneo Federico Fellini, cuyas primeras obras giran en torno a la vida de las clases obreras y los inadaptados sociales, las películas más representativas de Antonioni en su primera etapa se basaron en las élites y burguesías urbanas y en cómo se relacionaban con un entorno que apenas entienden: "Crónica de un amor" y "La dama sin camelias" (con Lucía Bosé, madre de Miguel Bosé) son sendas óperas prima donde el director traza una reflexión nada complaciente del mundo burgués con apariencias de simple melodrama.

"Las amigas" (1954), sobre un relato de Cesare Pavese y con destacable actuación de la menospreciada Eleonora Rossi Drago, empieza a conformar el estilo característico de su director, trascendie a una historia de por sí atractiva para experimentar con temáticas, expresivos estilos de narrar y encuadrar, estéticas con discursos de dobles lecturas, etc.

En una ocasión, nada más, este director trazó su visión de lo burgués a través del punto de vista del mundo obrero: en 1957 "El grito" (con Steve Cochran y Alida Valli) no sólo supone su primera obra maestra absoluta, sino también el antecedente directo a la incomunicación del ser humano que tanto obsesionó al director en su famosa trilogía. Algunos críticos recomiendan este título para quien quiera ver una sola película de Antonioni que refleje con exactitud su personalidad y estilo.

La década de 1960 fue el momento del reconocimiento internacional del director y de su encuentro con Monica Vitti, tras el inicial fracaso-desprecio por "La aventura".

Tanto "La noche" como "El eclipse" fascinaron a toda Europa y cruzaron sus fronteras.

En colores

En 1964, llegó su primer film en color y, para muchos, el principio del fin de su "reinado" con "El desierto rojo".

Una de sus obras más célebres es "Blow-Up, deseo de una mañana de verano", basada en un relato corto de Julio Cortázar; ambientada en el swinging London y basada en la peripecia de un fotógrafo que descubre un asesinato a través de sus fotografías. Pese a su descomunal éxito, la carrera de Antonioni entró en una irregularidad artística y en una especie de bloqueo creativo del que no le fue fácil salir.

De la última y menos conocida etapa del realizador, destacan "El reportero" (El pasajero)en 1974, (con Jack Nicholson y Maria Schneider) y "Chung Kuo" (1972), revelador trabajo documental sobre la China del momento, bastante más que "El misterio Oberwald" o "Identificación de una mujer".

Desde la década de 1990 trabajó proyectos tan ambiciosos como fallidos: "Más allá de las nubes" (1996) y "Eros" (2006).